Dikenal sebagai salah satu pelukis terhebat di India, dan seorang visioner yang jauh melampaui zamannya, Raja Ravi Varma dikenal karena corak yang kaya dan rona energik dari cetakan mitologisnya dan kekuatan halus dari lukisannya yang bersahaja. Lahir dalam keluarga bangsawan pada tahun 1848 di desa Kilimanoor, Kerala, Ravi Varma adalah orang pertama yang memadukan norma akademis Eropa untuk penggambaran detail naturalisme yang sebenarnya dengan pengaruh India yang kaya.
Dengan bakat ilusionis, Ravi Varma menata ulang kisah mitologi Hindu yang begitu mengakar dalam imajinasi populer India. Hingga saat itu, sebagian besar karakter ini dilukis datar, dan para dewa hanya dikenali dari aksesori dan tunggangan mereka. Berkat realisme modern, Raja Ravi Varma menawarkan mereka wajah yang memanusiakan mereka. Dan banyak episode indah dari epos Hindu menjadi hidup, dalam bentuk, warna, dan emosi yang nyata.
Dalam perpaduan unik dan percampuran cahaya dan bayangan dengan menggunakan perspektif yang menambah kedalaman pada lukisannya, sang seniman melintasi suasana hati dan emosi yang berbeda. Lukisannya bergema dengan semangat untuk merayakan kehidupan. Inilah sebabnya mengapa lukisannya memiliki pohon yang dihiasi dengan buah-buahan dan bunga, dan air yang dibuat lebih memesona dengan berbagai warna. Yang terakhir namun tidak kalah pentingnya adalah subjek lukisan itu sendiri. Kerinduan di mata membuatnya tampak seperti akan berkedip dan keluar dari lukisan kapan saja sekarang.
Itu adalah perubahan yang luar biasa dari jenis seni yang dilukis saat itu. Kini mata mengekspresikan kerinduan saat lipatan sari berkibar, perhiasan yang menghiasi subjeknya berkilauan dalam sudut cahaya yang terlihat – dan lahirlah Virahotkhandita Nayika. Menurut konvensi klasik, salah satu cara mengenali ‘wanita yang berduka yang terpisah dari kekasihnya’ adalah melalui rambutnya yang terbuka dan tidak diikat. Dan begitulah cara orang melihat wanita yang digambarkan di sini – tidak bahagia setelah menerima surat dari kekasihnya.
Dalam gambar yang menggambarkan hubungan antara seorang teman dan tokoh utama wanita, Chitralekha melukis gambar Aniruddha, sang Pangeran (dalam hal ini dewa Vaishnava Krishna) yang mencuri hati tokoh utama wanita Usha. Ravi Varma memberi judul ini Chitralekha bukan hanya karena itu adalah nama teman Usha, tetapi karena Chitralekha berarti seseorang yang sama menakjubkannya dengan gambar yang dilukis. Dalam hal ini, teman tersebut sebenarnya bisa menjadi hati nurani tokoh utama wanita itu sendiri. Ia menyanyikan sebuah monolog oleh Nayika yang berduka, seseorang yang sedang dalam perpisahan. Pada saat itu, Chitralekha membayangkan wajahnya dalam sebuah lukisan. Dengan demikian, Chitralekha berubah menjadi hati nurani Usha sendiri.
Ravi Varma menyadari narasi dan konteks epos tersebut. Oleh karena itu, ia dapat memvisualisasikan narasi tersebut dalam benaknya dan menuangkannya ke kanvas. Ia tidak mengikuti standar yang ditetapkan untuk mengikuti tema lukisan sesuai cerita. Ia dikenal mengubah suasana hati dan tema sesuai dengan apa yang ditugaskan kepadanya atau sebagai inspirasi yang inovatif. Adegan klasik Dewa Rama yang mematahkan busur Dewa Siwa untuk menikahi Sita adalah legendaris, karena itu merupakan pertanda perang antara Dewa Rama dan Rahwana. Varma melukis adegan itu untuk menunjukkan kesedihan di wajah karakter untuk menandai peristiwa masa depan ini.
Dari kerinduan dan drama yang menegangkan hingga kebahagiaan yang hakiki. Ini adalah lukisan Rama, Sita, dan Lakshana yang menyeberangi Sarayu dalam perjalanan mereka menuju pengasingan. Untuk menggambarkan kepuasan Sita saat bersama suaminya, Rama, Ravi Varma menggambarkannya dengan pakaian yang rumit, wajah yang damai, dan rambutnya disanggul.
Jika kita perhatikan dengan seksama kedua tokoh dalam The Stolen Interview, kita mungkin berpikir bahwa mereka memang ditakdirkan untuk satu sama lain. Gambar tersebut menunjukkan bagaimana dua orang yang sedang jatuh cinta berperilaku di masa lampau. Kita melihat sang pria menatap sang wanita, sementara sang wanita berpura-pura sibuk dengan setangkai bunga di tangannya. Namun, kehadiran mereka dalam jarak yang begitu dekat membuat kita percaya bahwa mereka menganggap satu sama lain sebagai belahan jiwa mereka. Peran bunga dalam lukisan ini sama simbolisnya dengan sebagian besar lukisan Varma lainnya. Mawar yang digambarkan di sini melambangkan cinta abadi. Tokoh wanita tersebut mengenakan sari bertepi emas yang sederhana namun elegan. Perhiasan mutiara yang dikenakannya di lehernya dimaksudkan untuk memberi tahu kita bahwa ia berasal dari keluarga kaya. Cahaya terlihat datang dari dalam dan luar, menunjukkan bahwa kita, para penonton, menyaksikan momen pribadi sebagai orang luar yang sama sekali tidak dikenal.
Dalam lukisan ini, kita dapat melihat puncak cinta seorang ibu, Vatsalya Bhava saat bayi Krishna memeluk ibunya Yashoda dan memegang cangkir di tangan mungilnya. Wajahnya yang seperti malaikat menempel erat pada ibunya saat ia meminta susu segar saat ibunya memerah susu sapi. Pada saat ini, baik ibu maupun anak laki-laki berada dalam kondisi terbaik mereka. Pandangan Yashoda menunjukkan kegembiraannya yang meluap-luap karena dekatnya dengan bayinya, yang permintaannya ia nikmati dan penuhi dengan enggan. permintaan yang mengganggu dari anaknya.
Tokoh-tokoh ini adalah tokoh utama dari momen bersejarah dari teks klasik, yang dimaksudkan untuk menjadi mulia, heroik, penting, dan emosional dengan cara yang paling manusiawi. Para dewa, dewi, bangsawan, dan wanita ini meninggalkan dampak yang tak terhapuskan pada seni, agama, masyarakat, dan estetika saat mereka mendemokratisasi seni, mungkin menjadi terobosan dalam sejarah gerakan seni India.